PLX團隊與Gamania Brand Center再次攜手合作，在2012年的春天，
邀請到台灣時尚藝術家Jeffery Wang王九思的丹寧藝術作品-「PERSONA」，
一系列立體、攝影作品與創作紀錄影片的交疊，完整呈現出「軟雕塑」的藝術創作意圖。
另外精選出七項關於丹寧褲的相關知識，讓觀眾在體驗感性的同時也能補充知性養分。

在歐洲幾乎有50%的人在公共場合穿著丹寧褲，荷蘭則是高達58%，就連“時尚之都”的法國也有42%，
更不用說發源地美國了，幾乎每人的衣櫃中平均擁有7條丹寧褲。
這些數字都在在的顯示出「丹寧」（Denim/粗斜紋棉布）一詞的含義與影響力，已經遠遠超了一個布料或是服裝名稱的名字。

這塊從掏金礦坑裡發展出來的「平民布料」，粗獷且耐磨損的特性，帶著美國夢的自由與西部風的不羈在藍領階級席捲開來，
而這些陪伴著許多人一起勞動的丹寧服裝，在經歷了一段時日後，逐漸展露出獨特的磨損與水洗痕，人性又富有故事性，
因此漸漸滲透各種族群與文化，慢慢的從美國中西部流傳到東岸並得到普遍青睞後，丹寧褲不再專屬勞動者，
爾後隨著詹姆士．狄恩、馬龍．白蘭度、瑪麗蓮．夢露等人在賣座電影中賦予丹寧褲新的意義與形象，丹寧褲逐漸成為國際間不可取代的流行服裝，至今這股勢力未曾衰退。

穿上丹寧褲，不管是否能展現帥氣或玲瓏有致的曲線，最重要的是無論你是什麼身份、地位、年紀、高矮、胖瘦的人，
都能以最輕鬆自在的身段做自己，它能濾去其他雜質，讓穿著的人展現純粹原始的自我。
因次，丹寧也開始與「原創」劃上等號，成為次文化發展中不可或缺的表現元素。眾多品牌與設計師也開始使用丹寧作為其創作的媒材，
藉此激發出火花，丹寧也在其創意之手下變得更有性格與多變。直至今日，丹寧褲成為日常生活、工作玩樂與流行趨勢、時尚風格難得完美的合體。

從紐約歸國的時尚藝術家Jeffery Wang 王九思，運用環保回收的二手丹寧褲，以「軟雕塑」的手法打造出一系列的藝術作品「PERSONA」。
為了保留丹寧的原汁原味，因此捨去精雕細琢、放下服裝設計的技巧，以「不破壞」為前提進行製作-沒有車縫、沒有剪裁、沒有拆解，
將原件再形結構，呈現出丹寧那設計感也無法掩蓋的強烈純粹個性。

透由丹寧的演進與發展，我們發現它的變化式不分季節、不畏流行，歷經百年仍散發那原始又獨特的氣味，但卻讓穿著它的主人的隨性演繹不同生活型態，
這股自由、玩樂、純粹的特性符合橘子人的特性，喜愛原創、勇於挑戰、講求個性，也是每位橘子人日常中最常著用的衣著，Let’s Play Jeans and beyond!

創作團隊：
ARTIST & CREATIVE DIRECTOR: Jeffrey WANG 王九思
PHOTOGRAPHER: Liang SU 蘇益良
ASSOCIATE CREATIVE DIRECTOR: Caroline YANG 楊純純 @ BLANQ
ART DIRECTOR: Wawa HO 何珮甄 & Eddie TENG 鄧儒林 @ BLANQ
PRODUCTION: Ben HSIAO 蕭秉民 @ BLANQ
HAIR STYLIST: Ting SHIH @ FLUX
MAKE-UP ARTIST: 簡淑玲
MODEL: Shin 馬友芯 @ STORM MODEL
RETOUCHER: Chinn 陳姵臻
PHOTO ASSISTANT: Naga CHANG & Yang LIN
STYLING ASSISTANT: XiaoBao

    
七條讓你更瞭解丹寧褲的知識：

1. 丹寧褲誕生日-1873年5月20日，改變世界的褲子誕生了

5月20日除了中華民國總統就職之外，也是丹寧褲的生日，不過據說其實是因為Levi’s在1873年的這一天，申請到自家丹寧褲的專利編號。
所以正確地說，5月20日應該是Levi’s丹寧褲的誕生日才對。

2. 女性丹寧褲的由來-丹寧褲不再是男人的專利，女性丹寧褲已成性感代名詞

最初，丹寧褲是針對男性的需求而出現。直到20世紀前段，女權意識逐漸萌芽，女性開始穿男裝，追求性別平等，
適逢好萊塢電影中西部英雄的浪漫形象持續發酵、深植人心，再加上30年代的經濟大蕭條，迫使許多美國牧場轉型成旅館，
並開放參觀與住宿，三方結合之下，令丹寧褲頓時成為女性時髦的單品。80年代甚至有歌手透過作品(《Baby Makes Her Blue Jeans Talk》by Dr.Hook,1982)，
詮釋丹寧褲已成為女性展現與表達自我的獨特方式。

3. 穿上丹寧褲反戰去-個性丹寧褲成為年輕一代自我意志的延伸

60年代末期，由於越戰的緣故，美國出現一股反體制、反都會、反文明的「嬉皮(Hippy)」風潮，年輕人用緊身、低腰、褲管加長加寬的丹寧褲，
作為反戰與追求獨立個性的象徵，這股勢力後來繼續延燒至英、法、義、日等歐亞地區。
這段被稱為「年輕風暴」的時期，讓丹寧褲成為改變人類世界觀、價值觀和審美觀的重要角色。

4. 史上最貴丹寧褲-Levis舊金山總部的鎮館之寶

金錢也許無法代表丹寧褲的本質，但價格絕對是重要的觀察指標。眾多精品品牌如：Calvin Klein、Dolce & Gabbana、Dior、Chanel、Gucci
紛紛推出丹寧大作，這些被歸類為設計師系列的褲款全都具備雙重特色：高規格手製加料工序和動輒十來萬的售價。
但至今全球最昂貴的丹寧褲仍為Levi’s XX c.1879，同時也是人類史上第一條丹寧褲，擁有375萬新台幣的驚人身價，
目前碩果僅存的數量都鎖在Levi’s舊金山總部的特殊保險櫃中。

5. 日本兒島丹寧褲博物館-不用飛到舊金山，也能瞭解丹寧褲發展史

二次世界大戰時，美國大兵將丹寧文化帶到西日本岡山縣倉敷市兒島地區，旋即落地生根。
當地不僅製作出第一條日本國產丹寧褲，也成立了第一座丹寧褲微型博物館。館內上從丹寧全球發展的歷史脈絡，
下至現代化最新型態的製成知識皆備，同時提供客製化量身訂做丹寧褲和DIY的課程，讓人親自體驗丹寧豐富而紮實的特質。

6. 日本丹寧褲名人大賞-最具公信力的流行指標

由專司服裝進口、生產和銷售的企業所組成的日本丹寧褲協會，自1984年起舉辦「最適合穿丹寧褲男、女藝人獎」。
由於評選過程涵蓋普羅大眾和專業人士的意見，堪稱泛亞洲最具公信力的丹寧獎項。
歷年獲獎者包括許多人氣藝人和公眾人物。連續5年得獎便能進入「丹寧褲名人堂」，目前僅木村拓哉、草彅剛、濱崎步有此殊榮。

7. 丹寧褲尺碼大騙局-最善意的白色謊言，ZARA也是共謀

『如果你覺得自己的腰圍和10年前一樣，那就準備好失望吧！』英國《星期日泰晤士報》調查發現，
各大品牌牛仔褲的實際腰圍多半比標簽上的型號超出１公分，而且這些品牌目前都已進入亞洲市場。
這樣做的目的，純粹是為了滿足消費者的虛榮心！

PLX團隊與Gamania Brand Center在2011年聖誕前夕，聯手策劃了一檔為期一個半月的常設微型展覽-「好好吃先生的旅行地圖展」，
邀請曾擔任粉樂叮主視覺的日本平面設計師-Akiniri Oishi，將其筆下融合世界著名建築的可愛角色帶到SPACE 17，透過平面、立體和遊戲的方式近距離展出。

歲末。年終。
想回到熟悉的家鄉，還是去個未知的地方？
無論目的地是哪，你需要的就是一趟旅行，藉由這短暫的離開，來確認心裡的渴望。

春上村樹在旅居歐洲的三年裡，完成了生涯裡最重要的長篇小說“挪威森林”。
安藤忠雄在旅行中自學建築，從一名貨車司機轉變為傳奇性的建築師。
Akinori也在旅法期間向法國人學習到：家庭和朋友的關係，勝過工作成績。
這份對於歡樂與滿足的純粹定義，也進而成為其創作的中心思想。

此後，Akinori便創作了許多小小微笑人，他們是住在圖畫世界「快樂城」裡的居民，
此次專為遊戲橘子打造的「微笑橘」可謂快樂城的親善大使，帶領你到心裡所屬的快樂城休息、充電吧！
無論是否有家人、愛人作陪，或是只有獨自一人，帶著“好好對待自己”的心情出發。

歲末。年終。
有些喜悅是筋疲力盡後才能獲得的。

Akinori Oishi是位日本平面設計師，1972年生於大阪。曾於京都市立藝術大學主修藝術，以及IAMAS主修媒體設計。

2001年獲法國MILIA國際多媒體展設計獎，其後三年在法國Team Chman工作室擔任設計師。在歐洲除了藝術工作，並任教於瑞士ECAL洛桑藝術設計大學。

2004年回日本後，至今從事獨立藝術家，且在京都造形藝術大學及多摩美術大學授課。

主要展覽有2001年於巴黎當代美術館東京宮展出的”OPNIYAMA”互動遊戲、2005年出版為記錄瑞士國會的教育動畫片DVD“Mais im Bundeshuus"、
2006年柏林與2008年紐約的”Pictoplasma Conference”角色藝術展，以及2007年於台灣的“HAPPY LIVING”和“粉樂町”。

身為大阪人的Akinori，不免俗地從電視愛上關西式幽默，在法國工作期間，進而喜歡法國導演Tati的喜劇電影。
拜科技發達所賜，畫筆創作下的歡樂得以用遊戲、動畫、數位互動、建築…等形式散播到全世界。

PLX團隊自2009年起，每年都會投入高雄的重量級國際展覽盛事-高雄設計節，過去曾經以參展、策展、協力…等不同身份角度參與展出。

近期是擔任主要展區的空間規劃任務，因此在設計的過程中嘗試了許多可能性，也留下了彌足珍貴的回憶。

由於展出國際作品的展區需囊括多元的泛亞洲創作群象，因此必須徹底發揮駁二藝術特區P2倉庫挑高優勢，

才能保留更大的使用彈性。再加上策展人希望營造出遊戲般輕鬆的氣氛，於是我們以兩層樓的展示空間為目標，設計出以下三個版本。

第一個版本嘗試在格局方正的長條型空間中央置入圓形建物，再利用圓形的90度與180度將空間分為數塊區域，以因應不同展品類型的展示需求。

2樓走道採用半遮蔽透明材質，在強化安全的同時，也保有空間的穿透感。最重要是下樓的方式採用溜滑梯設計，讓觀者在移動的過程中也能自得其樂。

第二個版本與第一種大體相同，只是將階梯與滑梯的位置規劃得更符合參觀動線。

第三個版本以緩坡步道的設計取代滑梯，並為中央圓形增添迷宮般錯落的層次，使空間朝向靜謐中隱藏驚喜方向發展。

當實際展出內容定案之後，我們針對相關需求再次作出調整，最後版本不僅將樓面簡化為單層，

也在空間中預留出大面積的廣場與數個小型獨棟建物。

展區空間規劃的最終目的，是希望藉由設計，讓眾多展品既能不受干擾地獨立存在，又產生相互呼應的密切關聯。

因此雖然過程中經過幾番修改，PLX團隊還是將每個版本都當作是最終版一般傾盡全力完成使命。

PLX團隊自成立以來，一直致力於透過展覽的形式，將嶄新概念與議題推廣到全台各地。2011年在偶然的機會下與老朋友-Stan相談甚歡，

便決定以其位在高雄的潮流服飾品牌Sense Organ店面為基地，規劃一場兼具潮流與設計感的小型常態展覽。

潮流服飾入口店-Sense Organ於2003年創立於高雄，主理人Stan不僅靠著其過人的眼光，率先將日本、香港知名品牌如Devilock、GARNI、IMPERIAL…等商品引進台灣，

同時也大力支持本土原創品牌。除此之外，Sense Organ更多次與米元康正、新田桂一…等世界各地設計師及藝術家聯手舉辦活動與展覽。

為了規劃符合其品牌精神、跨國交流形象與店內消費族群的常態展覽，我們建議以歷時兩年打造完成的Power Mazinger-Z為主題。

Power Mazinger-Z是日本國寶級大師暨鐵金鋼原創者-永井豪，與代表暴力美學的KNUCKLE BEAR之父-Touma聯手以Mr. Power為素體所創作的新角色。

這款作品在設計上保有Mr. Power俐落的身形線條，也融合了鐵金剛代表性的頭盔與鐵腕，外露的尖銳牙齒與胸前的熊熊火焰則是充滿Touma流的識別風格。

由於常態展須同時兼顧店內正常營業，因此除了完全使用店內現有的櫥櫃物件陳列作品外，我們也特別與i-visual團隊共同研發了可輕易拆裝的「Illumipant」光雕投影系統。

透由最新的3Dproject mapping技術，讓Power Mazinger-Z能在觀眾眼前呼風喚雨、操控雷電。

期望以角色設計結合科技的新形態表現手法，讓人們心目中喜愛的角色更生動地存在，也透過融合動漫美學的強勁力道，讓潮流魅力在南台灣持續發酵擴散。

作為南台灣大專院校創意設計科系學生年度盛事的「青春設計節」，

網羅了影音媒體創作、視覺傳達設計、立體造型暨產品設計、數位科技與遊戲設計、空間設計…等各領域新銳作品，

同時於展覽期間舉辦競賽，將學校與青年設計師的需求結合，帶動產業結合學生投入產品創新的風氣。

PLX創意總監Mark有幸在今年與林榮泰、胡佑宗、張光明等設計界先進，一同南下與台灣年輕設計人進行深度交流互動。

由於特別注重作品是否能有效強化「功能」與「造型」之間的關係，因此除了作品本身的完成度之外，

Mark更在意創作者如何從設計思考議題的觀察、分析、推想、導入設計執行的策略、試驗、以及最後表現製作的每個環節。

此次許多作品都充分展現了「想法」與「成品」結合的力道，簡單而清晰的設計意圖，勝過追求外表絢麗或複雜的多元機能。

印象最深刻的「測深鑽頭」製作看似簡單，只是在普通鑽頭的螺紋中加上不同的顏色，但其靈感來自生活中實際使用鑽頭時無法得之鑽了多深的困擾，

故以設計搭配人眼的視覺來滿足此需求的發想過程，成功體現了產品設計的精隨之所在。

在整個永續設計的概念思潮下，設計者應該多思考如何做出「減法」的設計，對使用行為與造型的關係，做更細微的檢視來尋求靈感，

嘗試對材質、物理、慣習…等可見與不可見的特質，勇於設法提出自己的觀點與回應。

約莫兩年前的夏天，Phalanx為高雄的漢明治設計了代表整間店的形象角色“三明治人”，在基礎設定裡我們依照hanwich店內想要營造的美式休閒風格，

因此有了大大的工作皮鞋與手套，肢體動作與臉部表情的呈現，也以友善生動的方式帶出漢明治追求的服務好品質。

而Phalanx也在開幕時期親臨位於愛河畔的handwich視察終端設計的呈現，看著潔淨明亮的店內，處處可見微笑的三明治人用餐心情也放鬆了起來。

在暌違兩年後的初春，我們接到Handwich即將於高雄美術館旁開設二店，並將沿用一店的設計時，深感與有榮焉，並也以老朋友的角度提出了些形象與設計方向的指導。

美術館店外同樣有著讓人看了心暖的招牌，翻開菜單又見三明治人像個老朋友般的打招呼，另外，看到店裡特別被表框起來的T-shirt，說不定handwich也開始有計畫發展延伸性商品的跡象嚕！

希望從Phalanx手中誕生出來的三明治人，能夠以更多樣的形態在更多的地方推廣美食並持續守護著handwich。

邁入第七年的「2011台灣原創角色藝術大賞」是以角色設定結合文化故事陳述，進而推廣設計師玩具(公仔)多元創作的競賽平台。

其歷屆獲得首獎的創作者們，至今仍持續活躍於相關產業中，對於希望透過創意發展出商業價值的台灣市場而言，具有指標性意義。

PLX今年有幸受邀參加其中的「名家新銳交流區」，與阿推、奶油隊長、BOUNCE、JUKAI、阿健…等台灣知名角色設計師共同展出，

因此希望藉由展示Mr. Power系列作品，傳達設計師玩具發展的另一種型態-平台玩具的概念。

平台玩具(platform toy)是以玩具素體做為載體，邀請符合特定條件的創作者與品牌，透過自身關注的議題與創意進行改造，

最終目的是希望產出充滿創作者個人代表特色的作品。

目前為止，相較於造型迥異的原創角色來說，台灣原創的平台玩具並不多見。

Mr. Power自2008年以平台玩具的型態推出至今，透於正向議題的號召，獲得來自世界各地朋友們的仗義相挺，不斷化身為許多精彩的「英雄」形象，

也在匯聚「正義力量」的過程中，蛻變出各式各樣不同風格的面貌。

除了把Mr. Power當作立體畫布進行彩繪的作法之外，也有許多創作者自行量身製作特殊配件讓其穿戴。

多元的創意成果猶如一場不受時地限制的美學工藝競賽，無形中也讓平台玩具有了更多合作發展的可能性。

眾多精彩的Custom作品曾數次在台灣南、北兩地以展覽的方式集結呈現，甚至於2010年成功遠赴紐約展出，頗獲好評。

過去Mr. Power曾在2009年「超好奇」和2010年「Walking Up」展覽時來過高雄，這次我們特別帶來尚未在南台灣曝光過的四件香港設計師的作品，

其中包含平面繪製與服飾配件的呈現作法，希望讓前往駁二的觀眾們也能體會平台玩具創作的箇中趣味。

2010年左營店開幕展時，Phalanx就受邀擔任開幕展Walking up國際角色藝術展的策展團隊，

當時邀請了國外三組知名角色設計團隊：TOUMA、DGPH、Devilrobots展出歷年來經典系列作品，同時加上左營店的行銷資源，

邀請多位各界名人展開網路義賣活動，為當時造成不小話題。也成功的透過角色的可愛與歡樂氣息為商場帶來活潑新氣象。

一直以來，角色設計與行銷都是Phalanx創意靈感的來源，無論是品牌或展覽的規劃，我們都試著融入此項元素與文化，

因此也在2011年底時與工業局資策會共同舉辦了亞洲角色創意與數位應用設計展。結合論壇講座的新形態角色設計展後續受到各方關注與邀展，

新光左營店則是其中之一，而我們也抱持高度意願的想將Low Pose推廣至南臺灣，因此便再次親訪左營店，與相關負責人交流並進行初步規劃思考。

新光左營店的客戶需求如下：

1.族群設定為全年齡層皆可參觀的展演活動

2.搭配百貨商場的大檔（母親節/暑假/週年慶/聖誕節）進行全館整合行銷

3.靜態展覽搭配動態活動，並可讓親子參與

4.展覽的裝置需具有互動性並讓民眾拍照

Low Pose台北站是一個以設計創意族群與大專院校學生為主的展演活動，若要移師至南台灣的新光左營店，

應仍保有展覽原先內容的美學與文化深度，才能為賣場的形象加分，若要擴增為全年齡層的展覽，我們建議聯合商場內的專櫃品牌，

讓旗下的形象角色/吉祥物共同參與，並分擔造卡通角色人偶的製作預算，屆時安排全館性的遊行與拍照見面會（蓋章/簽名）。

另外，也可參照Low Pose台北站與三立電視台的動畫節目“超毛星”合作，安排歌舞表演秀，並藉由電視台資源擴大宣傳。

靜態展覽方面，部份移師北部展覽內容，並規劃製作大型的展覽裝置，同時也舉辦角色插畫與設計比賽，

讓更多的學生族群與小朋友參與，全面化豐富展覽內容。

初識夢時代約是在2009年時，當時結緣的來自於高雄設計節的藝術逛大街活動，

夢時代在眾多的百貨商場對展演活動的推動算是有著滿高的自我意識，近年來的跨年晚會與啤酒節皆廣受好評，

但在文化設計類型的展覽則一直不見代表作，也多為一次性的展覽，因此我們向夢時代提出打造自有展覽品牌的概念，

希望整合統一企業的廣大資源，發展出具有長期延效益的多元展覽平台。

夢時代的需求如下：

展覽主題需符合企業精神與理念，並能藉此提升企業形象

展覽內容品質需具有國際水準

展覽作品中部份需為常態性的公共藝術作品

展覽販售商品需為企業自有品牌

展覽需具備平台責任與意義，並保留產學合作空間

PLX建議的展覽概念是以帶入綠活環保與設計生活的全新品牌主義，並打造以夢為主題焦點的藝文展覽規劃，

以觀點傳遞的方式建立與消費者溝通的橋梁。

近年來高雄已轉變為新興藝文之都，藉此趨勢發展，夢時代更應利用其廣大的腹地與空間與統一集團的橫向企業整合能力，

擺脫以往大型商場只單純提供娛樂性而缺乏知性的遊樂場式經營。使夢時代成為致力推廣人文環境提升的推手，

並化身為最貼近生活的新藝文平台空間。

展覽架構主要分成三區塊：

1.Drean More公共藝術展

2.Dream Life主題設計展

3.Refill品牌概念展，各自延伸出Life of Art、Life of design、Life of fashion的內容面向

參考案例一

Dream More公共藝術展區將以羽田機當作範例參考，融入科技與互動，讓商場的民眾能夠參與並讓公共藝術不在只是以往既定的大型雕塑，

也讓民眾能夠在商場裡徜徉，留下更多記憶。而日後的更新只需要更新其內容與相關設備即可。

參考案例二

Dream Life主題設計展以“廢棄物之夢”做為策展主題， 內容將2009高雄設計節Useless部份移展，

並增加邀請十組設計師先行觀察每日夢時代所製造之垃圾，搜尋可供利用之廢棄物進行設計再造。

參考案例三

Refill品牌概念展將以環保+設計+時尚做為Brand Concept，主要商品為寶特瓶套，同時設置游擊店銷售，

並由統一企業旗下果汁/汽水/咖啡…等多樣引了品牌於賣場提供消費者自行填裝販售。

過去在南台灣的策展經驗與企業合作案例累積，令PLX團隊有機會受邀前往義大世界實地勘察，並針對其需求提出展覽活動的規劃建議與可行內容。

複合多元機能的觀光勝地-義大世界，位於高雄市觀音山風景區旁，區域內有學校、飯店、遊樂園、購物中心和住宅區。

不僅是全國規模最大的渡假區，也是台灣有史以來最大的造鎮計畫案。

由於義大世界的遊樂園區和購物中心人氣已居高不下，每到連續假日與重要節慶更是大排長龍，

因此該經營團隊將下階段目標放在住商混合的香榭大街區，希望利用「特別企劃」的形式，將遊樂園和購物中心的人潮聚集到香榭大街。

一方面延續顧客在園區內的消費機會，另一方面也讓住宅區的潛在客群們能近距離體驗該區屋舍造景的魅力，從而增加日後成交的可能性。

針對義大世界的委託需求與現場狀況，Phalanx建議以展覽的形式來執行，並提出關於展覽企劃的幾項建議：

聚焦年輕族群-

展覽的首要目的是聚集人潮，而義大的消費客群以年輕族群人數最多，因此藉由特定議題吸引他們的喜好，

引發C to C自發性的分享方式，再將顧客在該區覺察到的正向經驗擴散開來，進而吸引更多有興趣的人們前往觀賞。

延續樂園氛圍-

將義大世界遊樂園熱鬧繽紛的歡樂氣氛和展覽主題結合，不僅與義大所主張的核心價值契合，

同時也將前來追尋相同氛圍的群眾，引導到該展覽場地中。

善用空屋場地-

利用區域內閒置的屋內空間與結構當作現成展覽場地，透過統一主軸概念集結風格獨立的複數作品，

讓觀眾在欣賞豐富多樣展品的過程中，也將一間間屋舍的格局設施盡收眼底。

Phalanx進一步提出可行的展覽內容-角色設計達人新春大亂鬥，將時下正夯的傳奇角色-「海盜」與「武侍」題材，

與年輕族群喜愛的玩具公仔結合。藉由導入台灣新生代角色藝術創作者-奶油隊長與JUBI充滿動漫美學風格的精彩作品，

來展現這兩種夢幻身份背後的生存哲學與格鬥家精神，以及新舊世代對他們不同的詮釋解讀，進而探究成為生命中真正勇者的意涵。